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Musica barroca

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Musica barroca describe una era y un conjunto de estilos de música clásica europea que se usaron ampliamente entre aproximadamente 1600 y 1750 para una discusión de los problemas inherentes a la definición de los puntos de inicio y fin). Se dice que esta era comienza en la música después del Renacimiento y es seguida por la era de la música clásica. Dado que los oyentes barrocos no querían más música "pasada de moda" del período del Renacimiento, los compositores y músicos se dieron cuenta de la importancia de la música como fuente principal de entretenimiento y crearon obras de arte que fueron contribuciones significativas a su sociedad. Se estaban dando cuenta de una meta básica en la vida que era aprender a servir a sus semejantes.

Los compositores y filósofos barrocos (no muy diferentes de los antiguos en China y Grecia) sostuvieron la idea de que la música, las matemáticas y la ciencia poseían relaciones cósmicas. El descubrimiento de Pitágoras de la serie de armónicos, con sus propiedades matemáticas, fue quizás el descubrimiento más influyente en la definición de los aspectos teóricos de la música occidental. La idea de una armonía celestial divinamente ordenada surgió de la filosofía griega y de los escritos de los primeros filósofos cristianos, más notablemente, Severnius Boethius. Se pensaba que estos principios cósmicos emanaban de Dios y, como tales, tenían profundas connotaciones religiosas y espirituales. Johann Sebastian Bach afirmó: "El único y último objetivo del bajo figurado no debe ser otra cosa que la gloria de Dios y la recreación de la mente. Donde este objeto no se tenga a la vista, no puede haber música verdadera sino solo un chirrido y un grito infernales. ".

Los compositores barrocos también se preocuparon cada vez más por las emociones humanas (pasiones y afectos) y crearon música para "imitar" estas emociones a través de la organización tonal. Mirando los escritos de Descartes y Sauveur que, en su investigación de la composición psicológica del hombre, comenzaron a "objetivar" ciertas emociones, los compositores barrocos iniciaron la práctica de expresar emociones específicas a través de medios musicales.

El significado original de "barroco" es "perla irregular", una caracterización sorprendentemente adecuada de la arquitectura y el diseño de este período; más tarde, el nombre llegó a aplicarse también a su música. La música barroca forma una parte importante del canon de la música clásica. Es ampliamente realizado, estudiado y escuchado. Está asociado con compositores y sus obras como J.S. Las fugas de Bach, el coro de Aleluya de George Friedrich Händel, las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi y las vísperas de Claudio Monteverdi de 1610 y el excelente tratado de Johann Joachim Quantz sobre la técnica de flauta de 1752.

Durante el período, se desarrolló la teoría musical, la tonalidad diatónica y el contrapunto imitativo. También aparecieron ornamentaciones musicales más elaboradas, así como cambios en la notación musical y avances en la forma de tocar los instrumentos. La música barroca vería una expansión en el tamaño, el rango y la complejidad de la interpretación, así como el establecimiento de la ópera como un tipo de actuación musical. Muchos términos y conceptos musicales de esta época todavía se usan en la actualidad. Tiene características generales, unidad de emoción, ornamentación y un ritmo contrastante con la improvisación. Sus melodías generalmente tenían una línea continua en movimiento, dinámicas de terraza y extensiones (ya sea sumando a la música o restando).

Visión general

Estilo y tendencias

La música descrita convencionalmente como Barroco abarca una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuesta durante un período de aproximadamente 150 años. El término "barroco", como se aplica a este período en la música, es un desarrollo relativamente reciente, utilizado por primera vez por Curt Sachs en 1919, y solo adquirió moneda en inglés en la década de 1940. De hecho, ya en 1960 todavía había una disputa considerable en los círculos académicos sobre si era significativo agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti y J.S. Bach con un solo término; Sin embargo, el término se ha utilizado y aceptado ampliamente para esta amplia gama de música. Puede ser útil distinguirlo de los períodos anteriores (Renacimiento) y siguientes (Clásicos) de la historia musical. Un pequeño número de musicólogos argumentan que debería dividirse en períodos barroco y manierista para ajustarse a las divisiones que a veces se aplican en las artes visuales.

Estilo barroco versus renacentista

Imagen: Baschenis - Instrumentos musicales.jpg | pulgar | 260px | Instrumentos barrocos, incluidos hurdy gurdy, clavecín, bajo violín, laúd, violín barroco y guitarra barroca. La música barroca comparte con la música renacentista un fuerte uso de la polifonía y el contrapunto. Sin embargo, su uso de estas técnicas difiere de la música renacentista. En el Renacimiento, la armonía es más el resultado de consonantes incidentales al flujo suave de la polifonía, mientras que en la era barroca temprana el orden de estas consonantes se vuelve importante, ya que comienzan a sentirse como acordes en un esquema tonal funcional jerárquico. Alrededor de 1600 se difumina considerablemente esta definición: por ejemplo, uno puede ver progresiones esencialmente tonales alrededor de los puntos cadenciales en los madrigales, mientras que en la monodia temprana el sentimiento de tonalidad es todavía bastante tenue. Otra distinción entre la práctica del Renacimiento y el Barroco en armonía es la frecuencia del movimiento de la raíz del acorde por tercio en el período anterior, mientras que el movimiento de cuartos o quintos predomina más tarde (lo que define parcialmente la tonalidad funcional). Además, la música barroca usa líneas más largas y ritmos más fuertes: la línea inicial se extiende, sola o acompañada solo por el bajo continuo, hasta que el tema reaparece con otra voz. En este enfoque posterior del contrapunto, la armonía se definió con mayor frecuencia por el bajo continuo o tácitamente por las notas del tema en sí.

Estas diferencias estilísticas marcan la transición de la ricercars, fantasias y canzonas del Renacimiento a la fuga, una forma barroca definitoria. Monteverdi llamó a este estilo más nuevo y suelto el seconda pratica, contrastando con el prima pratica que caracterizaba a los motetes y otras piezas corales sagradas de grandes maestros del Renacimiento como Giovanni Pierluigi da Palestrina. Monteverdi mismo usó ambos estilos; el escribió su misa In illo tempore en el estilo antiguo, Palestrinan, y sus 1610 Vísperas en el nuevo estilo.

Hay otras diferencias más generales entre el estilo barroco y renacentista. La música barroca a menudo se esfuerza por alcanzar un mayor nivel de intensidad emocional que la música del Renacimiento, y una pieza barroca a menudo representa de manera uniforme una emoción particular (exultación, pena, piedad, etc.) (ver doctrina de los afectos). La música barroca se escribió con mayor frecuencia para virtuosos cantantes e instrumentistas, y es característicamente más difícil de interpretar que la música del Renacimiento, aunque la escritura instrumental idiomática fue una de las innovaciones más importantes de la época. La música barroca emplea una gran cantidad de ornamentación, que a menudo fue improvisada por el intérprete. Los métodos de interpretación expresivos, como las notas inégales, eran comunes y se esperaba que los artistas los aplicaran, a menudo con considerable libertad. Los instrumentos llegaron a desempeñar un papel más importante en la música barroca, y la música vocal cappella disminuyó en importancia.

Estilo barroco versus clásico

En la era clásica, que siguió al barroco, el papel del contrapunto disminuyó (aunque redescubierto y reintroducido repetidamente; ver fuga), y reemplazado por una textura homofónica. El papel de la ornamentación disminuyó. Las obras tendieron hacia una estructura interna más articulada, especialmente las escritas en forma de sonata. La modulación (cambio de teclas) se convirtió en un elemento estructural y dramático, por lo que una obra se podía escuchar como una especie de viaje dramático a través de una secuencia de teclas musicales, hacia afuera y hacia atrás desde la tónica. La música barroca también modula con frecuencia, pero la modulación tiene menos importancia estructural. Las obras en el estilo clásico a menudo representan emociones muy variadas dentro de un solo movimiento, mientras que las obras barrocas tienden hacia un solo sentimiento vívidamente retratado. Por último, las obras clásicas generalmente alcanzan una especie de clímax dramático y luego lo resuelven; Las obras barrocas conservan un nivel bastante constante de energía dramática hasta la última nota. Muchas formas del barroco servirían como punto de partida para la creación de la forma sonata, al crear un "plano de planta" para la colocación de cadencias importantes.

Otras características

  • bajo continuo - una especie de acompañamiento continuo con un nuevo sistema de notación musical, bajo calculado, generalmente para un instrumento de bajo sostenido y un instrumento de teclado
  • monodia - música para una voz melódica con acompañamiento, característica de principios del siglo XVII, especialmente en Italia
  • homofonía: música con una voz melódica y acompañamiento rítmicamente similar (esto y la monodia contrastan con la típica textura renacentista, la polifonía)
  • texto sobre música: texto inteligible con acompañamiento instrumental que no domina la voz
  • solistas vocales ('bel canto')
  • expresión musical dramática
  • formas musicales dramáticas como la ópera, drama per musica
  • formas instrumentales vocales combinadas, como el oratorio y la cantata
  • nuevas técnicas instrumentales, como trémolo y pizzicato
  • melodía clara y lineal
  • notas inégales, una técnica de aplicar ritmos punteados a notas escritas uniformemente
  • la aria
  • el ritornello aria (interrupciones instrumentales cortas repetidas de pasajes vocales)
  • el estilo concertato (contraste de sonido entre orquesta e instrumentos solistas o pequeños grupos de instrumentos)
  • puntuación instrumental precisa (en el Renacimiento, rara vez se indicaba la instrumentación exacta para tocar en conjunto)
  • escritura instrumental idiomática: mejor uso de las propiedades únicas de cada tipo de instrumento musical
  • escritura instrumental y vocal virtuosa, con aprecio por el virtuosismo como tal
  • ornamentación
  • desarrollo a la tonalidad occidental moderna (escalas mayores y menores)
  • Cadenza- Una sección virtuosa extendida para el solista generalmente cerca del final de un movimiento de un concierto.

Géneros

Los compositores barrocos escribieron en muchos géneros musicales diferentes. La ópera, inventada a finales del Renacimiento, se convirtió en una forma musical importante durante el Barroco, con las óperas de Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel y otros. El oratorio alcanzó su apogeo en el trabajo de Bach y Handel; La ópera y el oratorio a menudo usaban formas musicales muy similares, como el uso generalizado de la da capo aria.

En otra música religiosa, la misa y el motete disminuyeron ligeramente en importancia, pero la cantata floreció en la obra de Bach y otros compositores protestantes. La música de órgano virtuoso también floreció, con toccatas, fugas y otras obras.

Las sonatas instrumentales y las suites de baile se escribieron para instrumentos individuales, para grupos de cámara y para orquesta (pequeña). El concierto surgió, tanto en su forma para un solo solista más una orquesta y como el concierto grosso, en el que un pequeño grupo de solistas se contrasta con el conjunto completo. La obertura francesa, con sus secciones lentas y rápidas contrastantes, agregó grandeza a las numerosas cortes en las que se realizó.

Las obras de teclado a veces se escribieron en gran medida para el placer y la instrucción del intérprete. Estos incluyeron una serie de obras de Bach maduro que son ampliamente consideradas como la culminación intelectual de la era barroca: el bien templado Clavier, las variaciones de Goldberg y El arte de la fuga.

Breve historia de la música barroca.

Música barroca temprana (1600-1654)

La línea divisoria convencional para el Barroco del Renacimiento comienza en Italia, con el compositor Claudio Monteverdi (1567-1643), con su creación de un estilo recitativo y el surgimiento de una forma de drama musical llamada ópera. Esto fue parte de un cambio de estilo consciente en todas las artes, especialmente en arquitectura y pintura.

Musicalmente, la adopción del bajo figurado representa un cambio mayor en el pensamiento musical, es decir, que la armonía, es decir, "unir todas las partes" era tan importante como la parte lineal de la polifonía. Cada vez más, la polifonía y la armonía serían vistas como dos lados de la misma idea, con progresiones armónicas que entran en la noción de componer, así como el uso del tritono como disonancia. El pensamiento armónico había existido entre compositores particulares en la era anterior, especialmente Gesualdo, sin embargo, se cree que el Renacimiento da paso al Barroco en el punto donde se convierte en el vocabulario común. Algunos historiadores de la música señalan la introducción del séptimo acorde sin preparación como la ruptura clave con el pasado. Esto creó la idea de que los acordes, en lugar de las notas, creaban la sensación de cierre, que es una de las ideas fundamentales de lo que más tarde se llamaría tonalidad.

Italia formó una de las piedras angulares del nuevo estilo, ya que el papado, asediado por la Reforma pero con arcas engordadas por los inmensos ingresos provenientes de la conquista de los Habsburgo, buscó medios artísticos para promover la fe en la Iglesia Católica Romana. Uno de los centros musicales más importantes fue Venecia, que tenía tanto patrocinio secular como sagrado disponible en este momento.

Una de las figuras transitorias importantes surgiría del impulso por revivir el catolicismo contra el creciente desafío doctrinal, artístico y social montado por el protestantismo: Giovanni Gabrieli. Su trabajo se considera en gran parte en el estilo del "Alto Renacimiento". Sin embargo, sus innovaciones se consideraron fundamentales para el nuevo estilo. Entre estos están la instrumentación (instrumentos de etiquetado específicamente para tareas específicas) y el uso de la dinámica.

Las demandas de la religión también eran aclarar el texto de las obras sagradas y, por lo tanto, había presión para alejarse de la polifonía densamente estratificada del Renacimiento, a líneas que pusieran las palabras al frente y al centro, o tuvieran un rango de imitación más limitado. Esto crearía la demanda de un tejido más intrincado de la línea vocal contra el telón de fondo u homofonía.

Monteverdi se convirtió en el más visible de una generación de compositores que consideraban que había un medio secular para este enfoque "moderno" de armonía y texto, y en 1607 su ópera Orfeo sería el hito que demostraría la gran cantidad de efectos y técnicas asociadas con esta nueva escuela, llamada seconda pratica, para distinguirlo del estilo anterior o prima pratica Monteverdi era un maestro de ambos, produciendo motetes de estilo preciso que extendieron las formas de Marenzio y Giaces de Wert. Pero son sus nuevas piezas de estilo las que serían los cambios más visibles en el barroco. Estas características incluidas son reconocibles incluso hasta el final del período barroco, incluido el uso de la escritura idiomática, el virtuoso florece y lo que Stanley Sadie llama el uso "a fondo" de nuevas técnicas.

Este lenguaje musical demostraría ser internacional, ya que Heinrich Schütz (1585-1672), un compositor alemán que estudió en Venecia tanto con Gabrieli como con Monteverdi, lo usaría para las necesidades litúrgicas del Elector de Sajonia y actuaría como maestro del coro. en Dresde

Música barroca media (1654-1707)

El surgimiento de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se llama la Era del Absolutismo, personificada por Luis XIV de Francia. El estilo de palacio y el sistema de cortesías y artes de la corte que él fomentó se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. La realidad del creciente patrocinio de la iglesia y el estado creó la demanda de música pública organizada, ya que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara. Esto incluyó la disponibilidad de instrumentos de teclado.

El barroco medio está separado del barroco temprano por la llegada del pensamiento sistemático al nuevo estilo, y una institucionalización gradual de las formas y normas, particularmente en la ópera. Al igual que con la literatura, la imprenta y el comercio crearon una audiencia internacional ampliada para las obras y una mayor polinización cruzada entre los centros nacionales de actividad musical.

El barroco medio, en la teoría de la música, se identifica por el enfoque cada vez más armónico de la práctica musical y la creación de sistemas formales de enseñanza. La música era un arte, y llegó a ser vista como una que debería enseñarse de manera ordenada. Esto culminaría en el trabajo posterior de Fux en la sistematización del contrapunto.

Un ejemplo preeminente de un compositor de estilo de corte es Jean-Baptiste Lully (1632-1687). Su carrera aumentó dramáticamente cuando colaboró ​​con Molière en una serie de comedias-ballets, es decir, juega con el baile. Utilizó este éxito para convertirse en el único compositor de óperas para el rey, utilizando no solo ideas musicales innovadoras como la tragedia lyrique, sino también patentes del rey que impidieron que otros tuvieran representadas óperas. El instinto de Lully de proporcionar el material que su monarca deseaba ha sido señalado por casi todos los biógrafos, incluido su rápido cambio a la música de la iglesia cuando el ambiente en la corte se volvió más devoto. Sus 13 tragedias líricas completas se basan en libretos que se centran en los conflictos entre la vida pública y privada del monarca.

Musicalmente, exploró el contraste entre secciones majestuosas y totalmente orquestadas, y recitativos y aires simples. En gran parte, fue su habilidad para reunir y practicar músicos en una orquesta lo que fue esencial para su éxito e influencia. Los observadores notaron la precisión y la entonación, esto en una época en la que no había un estándar para afinar instrumentos. Un elemento esencial fue el mayor enfoque en las voces internas de la armonía y la relación con el solista. También estableció la norma dominada por cuerdas para orquestas.

Arcangelo Corelli (1653-1713), es recordado como influyente por sus logros en el otro lado de la técnica musical, como un violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín, y en la música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concierto grosso. Mientras que Lully estaba instalado en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y su música se presentó en toda Europa. Al igual que con la estilización y organización de la ópera de Lully, el Concierto Grosso se basa en fuertes contrastes; las secciones se alternan entre las que toca la orquesta completa y las que toca un grupo más pequeño. La dinámica fue "en terrazas", es decir, con una transición brusca de fuerte a suave y viceversa. Secciones rápidas y lentas se yuxtapusieron una contra la otra. Entre sus alumnos se encuentra Antonio Vivaldi, quien luego compondría cientos de obras basadas en los principios del trío de sonatas y conciertos de Corelli.

En Inglaterra, el barroco medio produjo un genio cometario en Henry Purcell (1659-1695), quien a pesar de morir a los 36 años, produjo una profusión de música y fue ampliamente reconocido en su vida. Estaba familiarizado con las innovaciones de Corelli y otros compositores de estilo italiano; Sin embargo, sus patrocinadores eran diferentes y su producción musical era prodigiosa. En lugar de ser un artesano meticuloso, Purcell fue un compositor fluido que fue capaz de cambiar de himnos simples y música útil como marchas, a música vocal y música para el escenario. Su catálogo abarca más de 800 obras. También fue uno de los primeros grandes compositores de teclados, cuyo trabajo aún tiene influencia y presencia.

En contraste con estos compositores, Dieterich Buxtehude (1637-1707) no fue una criatura de la corte, sino que fue un organista y presentador de música emprendedor. En lugar de publicar, se basó en la actuación para sus ingresos, y en lugar del patrocinio real, se trasladó entre entornos vocales para música sacra y música de órgano que él mismo interpretó. Su producción no es tan fabulosa o diversa, precisamente porque no se le pedía constantemente música para una ocasión. El empleo de contraste de Buxtehude fue entre las secciones libres, a menudo improvisadoras, y las secciones más estrictas funcionaron contrapuntualmente. Este procedimiento sería muy influyente en compositores posteriores como Bach, que tomaría el contraste entre libre y estricto a límites mayores.

Música barroca tardía (1680-1750)

La línea divisoria entre el barroco medio y tardío es un tema de debate. Las fechas para el comienzo del estilo barroco "tardío" oscilan entre 1680 y 1720. En gran parte esto se debe a que no hubo una transición sincronizada; diferentes estilos nacionales experimentaron cambios a diferentes velocidades y en diferentes momentos. En general, se considera a Italia como el primer país en pasar al estilo barroco tardío y compositores como el alemán Carl Heinrich Graun compuesto en un estilo italiano. La línea divisoria importante en la mayoría de las historias de la música barroca es la absorción total de la tonalidad como principio estructurante de la música. Esto fue particularmente evidente a raíz del trabajo teórico de Rameau, quien reemplazó a Lully como el importante compositor de ópera francés. Al mismo tiempo, a través del trabajo de Fux, el estilo renacentista de la polifonía se convirtió en la base para el estudio del contrapunto. La combinación del contrapunto modal con la lógica tonal de las cadencias creó la sensación de que había dos estilos de composición: el homofónico dominado por consideraciones verticales y el polifónico dominado por imitaciones y contrapuntas.

Las formas que habían comenzado a establecerse en la era anterior florecieron y se les dio una gama cada vez más amplia de diversidad; concierto, suite, sonata, concierto grosso, oratorio, ópera y ballet, todos vieron una proliferación de estilos y estructuras nacionales. La forma general de las piezas fue generalmente simple, con formas binarias repetidas (AABB), formas simples de tres partes (ABC) y formas rondeau comunes. Estos esquemas influirían a su vez en compositores posteriores.

Antonio Vivaldi (1678-1741) es una figura que, durante gran parte del siglo XIX, fue olvidada en la música de concierto, solo para ser revivida en el siglo XX. Nacido en Venecia en 1678, comenzó como sacerdote ordenado de la Iglesia Católica, pero dejó de celebrar misa en 1703. Casi al mismo tiempo fue nombrado maestro di violino en un orfanato de niñas venecianas con el que tendría una relación profesional hasta casi el final de su vida. La reputación de Vivaldi no vino de tener una orquesta o una cita en la corte, sino de sus trabajos publicados, incluyendo sonatas para trío, sonatas para violín y conciertos. Fueron publicados en Amsterdam y circularon ampliamente por Europa. Es en estos géneros instrumentales de sonata barroca y concierto barroco, que aún evolucionaban, que se hicieron las contribuciones más importantes de Vivaldi. Se decidió por ciertos patrones, como un plan de tres movimientos rápido-lento-rápido para obras, y el uso de ritornello en los movimientos rápidos, y exploró las posibilidades en cientos de obras: 550 conciertos solo. También utilizó títulos programáticos para obras, como su famoso The Four Seasons. La carrera de Vivaldi refleja una posibilidad creciente de que un compositor pueda mantenerse a sí mismo con sus publicaciones, hacer giras para promocionar sus propias obras y tener una existencia independiente.

Domenico Scarlatti (1685-1757) fue uno de los principales virtuosos del teclado de su época, quien tomó el camino de ser un músico de la corte real, primero en Portugal y luego, a partir de 1733 en Madrid, España, donde pasaría el el resto de su vida. Su padre, Alessandro Scarlatti, era miembro de la Escuela Napolitana de ópera, y se le atribuye estar entre sus miembros más hábiles. Domenico también iba a escribir óperas y música de iglesia, pero es la publicación de sus obras de teclado, que se extendió más ampliamente después de su muerte, lo que le ha asegurado un lugar duradero de reputación. Muchas de estas obras fueron escritas para su propia interpretación, pero otras para sus patrocinadores reales. Al igual que con su padre, su fortuna estaba estrechamente ligada a su capacidad para asegurar y mantener el favor real.

Pietro Filippo Scarlatti, hermano de Domenico Scarlatti e hijo de Alessandro Scarlatti, fue un compositor, organista y maestro de coro italiano que fue un miembro destacado del último período barroco italiano. Su habilidad para contrastar las armonías y sonoridades en la música vocal lo hizo muy popular para el público operístico.

Pero quizás el compositor más famoso asociado con las óperas barrocas y el patrocinio real fue George Frideric Handel (1685-1759), nacido en Alemania, estudió durante tres años en Italia, pero iría a Londres en 1711 y lo usaría como Una base de operaciones para una carrera larga y rentable que incluía óperas producidas independientemente y comisiones para la nobleza. Buscaba constantemente fórmulas comerciales exitosas, en ópera y luego en oratorios en inglés. Trabajador continuo, Handel tomó prestado de otros y recicló su propio material constantemente. También era conocido por reelaborar piezas como el famoso Mesías, que se estrenó en 1741, para cantantes y músicos disponibles. A pesar de que sus circunstancias económicas aumentaron y disminuyeron con sus producciones, su reputación, basada en trabajos de teclado publicados, música ceremonial, representaciones constantes de óperas y oratorios y concierto bruto, creció exponencialmente. En el momento de su muerte, era considerado como el principal compositor en Europa, y fue estudiado por músicos posteriores de la era clásica. Handel, debido a sus ambiciones muy públicas, descansó gran parte de su producción en recursos melódicos combinados con una rica tradición de improvisación y contrapunto. La práctica de la ornamentación en el estilo barroco se encontraba en un nivel muy alto de desarrollo bajo su dirección. Viajó por toda Europa para involucrar a cantantes y aprender la música de otros compositores, y por lo tanto tenía uno de los más conocidos de otros estilos de cualquier compositor.

J.S. Bach, con el tiempo, ha llegado a ser visto como la figura más importante de la música barroca, con lo que Bela Bartok describió como "una religión" que lo rodea. Durante el tiempo en sí, fue mejor conocido como maestro, administrador e intérprete que compositor, siendo menos famoso que Handel o Telemann. Nacido en Eisenach en 1685 en una familia musical, recibió una amplia educación temprana y se consideró que tenía una excelente voz de niño soprano. Ocupó diversos puestos como organista, ganando rápidamente fama por su virtuosismo y habilidad. En 1723 se estableció en el puesto con el que iba a estar asociado prácticamente por el resto de su vida: Cantor y director de música para Leipzig. Su variada experiencia hasta este punto significa que se convirtió en el líder de la música, tanto secular como sagrada, para el pueblo, maestro de sus músicos y figura destacada. Las innovaciones musicales de Bach sondearon las profundidades y los límites exteriores de las formas barrocas homofónicas y polifónicas. Era un catálogo virtual de todos los dispositivos contrapuntuales posibles, y todos los medios aceptables para crear redes de armonía con el coral. Como resultado, sus obras en forma de fuga, junto con preludios y tocattas para órgano, y las formas de concierto barroco, se han convertido en fundamentales tanto en la interpretación como en la técnica teórica. Prácticamente todos los instrumentos y conjuntos de la época, a excepción de los géneros teatrales, se representan copiosamente en su producción. Las enseñanzas de Bach florecerían en las épocas clásica y romántica a medida que los compositores redescubrieran las sutilezas armónicas y melódicas de sus obras.

Georg Philipp Telemann (1681-1767) fue el compositor instrumental más famoso de su tiempo, y enormemente prolífico, incluso para los estándares de una época en la que los compositores tenían que producir grandes volúmenes de música. Sus dos puestos más importantes: director de música en Frankfurt en 1712 y en 1721 director de música del Johanneum en Hamburgo, le exigieron que compusiera música vocal e instrumental para contextos seculares y sagrados. Compuso dos ciclos completos de cantata para los servicios dominicales, así como oratorios sagrados. Telemann también fundó una publicación periódica que publicó nueva música, en gran parte por el propio Telemann. Esta difusión de la música lo convirtió en un compositor con una audiencia internacional, como lo demuestra su exitoso viaje a París en 1731. Algunas de sus mejores obras fueron en la década de 1750 e incluso 1760, cuando el estilo barroco fue reemplazado por estilos más simples, pero fueron popular en el momento y después. Entre estas últimas obras se encuentran "Der Tod Jesu" ("La muerte de Jesús") 1755, "Die Donner-Ode" ("La oda del trueno") 1756, "Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu" ("La resurrección y ascensión de Jesús ") 1760 y" Der Tag des Gerichts "(" El día del juicio ") 1762.

Otros compositores influyentes

La influencia del barroco en la música posterior

Transición a la era clásica (1740-1780)

La fase entre el barroco tardío y la época clásica temprana, con su amplia mezcla de ideas en competencia e intentos de unificar las diferentes demandas de gusto, economía y "visión del mundo", tiene muchos nombres. A veces se le llama "Galant", "Rococó", o "preclásico", o en otras ocasiones, "Clásico temprano". Es un período en el que los compositores que todavía trabajan en el estilo barroco todavía tienen éxito, si a veces se piensa que son más del pasado que del presente: Bach, Handel y Telemann componen mucho más allá del punto en el que el estilo homofónico está claramente en el ascendente. La cultura musical se vio atrapada en una encrucijada: los maestros del estilo antiguo tenían la técnica, pero el público ansiaba lo nuevo. Esta es una de las razones por las que C.P.E. Bach se consideraba muy respetado: entendía bastante bien las formas más antiguas y sabía cómo presentarlas con un nuevo atuendo, con una mayor variedad de formas; llegó lejos en la revisión de las formas más antiguas del barroco.

La práctica de la época barroca fue la norma contra la cual se midió la nueva composición, y se llegó a una división entre las obras sagradas, que se apegaban más al estilo barroco de las obras seculares o "profanas", que estaban en las nuevas estilo.

Especialmente en los países católicos de Europa central, el estilo barroco siguió estando representado en la música sacra hasta finales del siglo XVIII, de la misma manera que estilo antico del Renacimiento continuó viviendo en la música sagrada de principios del siglo XVII. Las masas y oratorios de Haydn y Mozart, aunque clásicos en su orquestación y ornamentación, tienen muchas características barrocas en su estructura armónica y contrapuntual subyacente. El declive del barroco vio varios intentos de mezclar técnicas antiguas y nuevas, y muchos compositores que continuaron aprendiendo las formas más antiguas hasta la década de 1780. Muchas ciudades en Alemania continuaron manteniendo prácticas de desempeño desde el Barroco hasta la década de 1790, incluida Leipzig, donde J.S. Bach trabajó al final de su vida.

En Inglaterra, la popularidad duradera de Handel aseguró el éxito de Avison, Boyce y Arne, entre otros imitadores consumados, hasta la década de 1780, que compitieron junto a Mozart y J.C. Bach. Sin embargo, en Europa continental, se consideraba una forma de escritura pasada de moda, y era un requisito para graduarse del creciente número de conservatorios de música, y de lo contrario se reservaba solo para su uso en obras sagradas.

Influencia de la composición y práctica barroca después de 1760

Debido a que la música barroca fue la base de la pedagogía, retuvo una influencia estilística incluso después de que dejó de ser el estilo dominante de composición o creación musical. Even as baroque practice, for example the thoroughbass, fell out of use, it continued to be part of musical notation. In the early 19th century, scores by Baroque masters were printed in complete edition, and this led to a renewed interest in the "strict style" of counterpoint, as it was then called. With Felix Mendelssohn's revival of Bach's choral music, the Baroque style became an influence through the 19th century as a paragon of academic and formal purity. Throughout the 19th century, the fugue in the style of Bach held enormous influence for composers as a standard to aspire to, and a form to include in serious instrumental works.

The twentieth century would name the Baroque as a period, and begin to study its music. Baroque form and practice would influence composers as diverse as Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky and Béla Bartók. The early 20th century would also see a revival of the middle Baroque composers such as Purcell and Corelli.

There are several instances of contemporary pieces being published as "rediscovered" Baroque masterworks. Some examples of this include a viola concerto written by Henri Casadesus but attributed to Handel, as well as several pieces attributed by Fritz Kreisler to lesser-known figures

Ver el vídeo: Lo Mejor del Barroco. Música Barroca (Julio 2020).

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